La première fois que Rennie Harris et sa compagnie, Rennie Harris Puremovement American Street Dance Theatre (RHPM), se sont produits sur une scène de danse de concert, le public n’a pas applaudi. Découragés, Harris et ses danseurs – de jeunes hommes sujets, certes, à des accès d’hypermasculinité – ont commencé à se disputer : “Nous devons danser plus fort”, “Tu aurais dû venir à la répétition”, “Mec, tu es nul.” À la fin du spectacle, leurs insultes chuchotées s’étaient transformées en plans de combat physique. Mais avant de pouvoir porter le différend à l’extérieur, ils devaient s’incliner. À leur grande surprise, le public a éclaté en une standing ovation.

“Ce fut un choc culturel complet pour nous”, a déclaré Harris dans un récit de l’expérience lors d’une conférence à l’Université de Stanford. Habitués à l’énergie audible échangée lors des cyphers et autres décors de danse sociale, les acteurs ignoraient que les amateurs de théâtre traditionnels restent silencieux pour être polis. Combler ce fossé entre les cultures de la danse de rue et de la danse de concert est depuis devenu un élément déterminant de la carrière influente de Harris.

Harris a fondé RHPM à Philadelphie en 1992, et bien qu’elle soit souvent qualifiée de compagnie de hip-hop, la chorégraphie canalise largement d’autres formes de danse de rue. Harris fait la distinction entre les deux, définissant la danse hip-hop comme des danses sociales nationales que tout le monde peut faire – comme le cabbage patch, le soldat ou le nae nae – et la danse de rue comme des genres spécifiques à la ville avec leurs propres techniques, comme la house, le popping, le verrouillage et rupture.

« J’avais l’habitude de croire que ‘street’ lui donnait une connotation plus basse. Puis j’ai réalisé que c’était une chose inférieure selon les normes de la danse blanche et de la culture occidentale. Cependant, cela ne vient pas de là. En raison de son africanité, il est seul », précise Harris. « ‘Street’ est un terme d’argot pour communauté. Ce n’est pas la rue littérale.

Bien que la musique hip-hop apparaisse rarement dans le travail de Harris, elle fonde culturellement son entreprise. Fidèle aux trois lois tacites du hip hop – individualité, créativité et innovation – Harris pousse vers de nouveaux territoires. Après avoir fait des tournées internationales tout au long des années 1980 avec des artistes musicaux tels que Salt-N-Pepa, Run-DMC et LL Cool J, Harris s’est tourné vers le théâtre, se sentant comme si « je l’avais déjà fait et je prenais ma retraite », dit-il. “Mon état d’esprit était ‘Je vais faire ce que je fais, et soit tu l’aimes, soit tu ne l’aimes pas.’ Les œuvres qui en ont résulté ont précipité l’invention du “théâtre de danse de rue” et leur influence peut être vue dans de nombreuses productions de hip-hop et de danse de rue sur scène et à l’écran aujourd’hui.

Fusionnant le vocabulaire du mouvement de la danse de rue avec la musique et l’écriture originales, Harris a développé des pièces narratives explorant le racisme, le sexisme et d’autres problèmes culturels. Bien que son travail ait été – et, de manière déconcertante, est toujours – parfois accueilli par le public qui remet en question la rigueur de la danse de rue et l’authenticité du hip hop mis en scène, il a brisé la barrière pour que de nouvelles formes de danse de la diaspora africaine apparaissent dans les établissements traditionnels des arts de la scène. . “À cette époque, si vous voyiez une pièce de danse, c’était du ballet ou du contemporain”, explique James “Cricket” Colter, membre fondateur du RHPM. “C’était notre la danse, quelque chose de la communauté noire qui était du grand art, tout comme le ballet, utilisé pour raconter une histoire puissante.

Ozzie Jones est assis dans un studio de danse, le bras droit levé, vêtu d'un jean et d'un t-shirt blanc.
Ozzie Jones en répétition La Rome et les joyaux de Harris. Photo de Brian Mengini, avec l’aimable autorisation du RHPM.

Pour sa part, Harris craignait que le travail n’attire l’attention pour les mauvaises raisons. Le dramaturge et metteur en scène Ozzie Jones se souvient : « À l’époque, il était frustré. Les hommes sont tous vraiment beaux et en pleine forme. Parce que c’est beaucoup de mouvement de breakdance, comme voler dans les airs, il commençait à avoir l’impression qu’ils étaient des strip-teaseurs objectivés. Harris a engagé Jones, avec le compositeur Darrin Ross, pour collaborer à sa première œuvre d’une soirée, Rome & Joyaux. Avec cette adaptation hip-hop de Shakespeare Roméo et Juliettequi a commencé les répétitions en 1997, Harris a entrepris de prouver que RHPM n’était “pas seulement une entreprise rinky-dink faisant un travail mignon”, dit-il.

Pour être invité dans l’entreprise, Rodney Mason a dansé dans les boîtes de nuit de Philadelphie, luttant contre les membres du RHPM. Après son arrivée en 1996, il est resté timide, apprenant tranquillement des autres danseurs, jusqu’à ce que Harris annonce son intention de créer Rome & Joyaux. Acteur expérimenté et fan de Shakespeare depuis toujours, Mason s’est levé et a crié: “Yo, Rome, la haine que j’ai pour toi ne peut pas se permettre de meilleur terme que celui-ci: tu es un méchant, alors quoi de neuf?”

Bien que Mason ait récité une variation sur les lignes de Tybalt, il est devenu le Roméo de la production, ou Rome. Juliet, ou Jewels, était plus difficile à lancer; si le RHPM est diversifié aujourd’hui, à l’époque c’était majoritairement des hommes. Alors que la recherche de Jewels se poursuivait, Mason a commencé à répéter avec une femme imaginaire.

“Il le faisait avec tellement de détails que vous aviez l’impression de pouvoir la voir”, explique Jones. «Cela a fini par être une brillante expansion de l’idée de Rennie de montrer cette culture macho, hip-hop, gang et le sexisme qui y est inhérent. Parce que ces jeunes loups sont seuls dans le monde, leur idée des femmes, de l’amour, de l’honneur et de la justice n’est pas vraiment basée sur grand-chose en dehors de leur imagination.

« Je n’ai su que plus tard que quelqu’un avait vu ce que je faisais », dit Mason. “Si j’avais su, je n’aurais pas été aussi libre, mais je suppose que c’était tout l’intérêt.”

Harris prépare rarement lui-même la chorégraphie à l’avance, préférant les phrases d’atelier avec les danseurs dans la salle. “Il aime que vous y apportiez votre propre individualité, afin que cela ne semble pas trop répété”, déclare Joshua Culbreath, membre actuel du RHPM. “Il essaie de tirer le meilleur de la personnalité de chacun en donnant des solos ou en faisant en sorte que des parties de la chorégraphie soient issues de la technique de mouvement d’une personne spécifique.”

Un groupe de sept danseurs se tient dans un studio tourné vers la droite du cadre, où Rennie Harris se tient, un bras sur le côté, démontrant une chorégraphie.
Harris (extrême droite) en répétition pour Lazare à Théâtre de danse américain Alvin Ailey. Photo de Nan Melville, avec l’aimable autorisation de l’AAADT.

Étant donné que les productions RHPM présentent souvent des scénarios concrets, les styles uniques des danseurs influencent également leur jeu. “Le développement du personnage donne à votre danse tellement plus de texture”, déclare Emily Pietruszka, membre actuelle du RHPM. «Vous pouvez donner vie à quelque chose plutôt que de simplement faire un tas de mouvements que quelqu’un vous a dit de faire. Il y a une différence entre mettre le mouvement de danse de rue sur scène et vraiment raconter une histoire à travers la danse de rue dans laquelle les gens peuvent se retrouver.

Bien que le hip hop théâtral puisse ne pas sembler révolutionnaire dans un post-Hamilton monde, Rome & Joyaux était la première production de ce genre. “Rennie réfléchissait bien loin”, explique Raphael Xavier, un danseur et éducateur renommé, ainsi qu’un ancien membre du RHPM. “Beaucoup de jeunes entreprises qui montent maintenant utilisent son plan.” Lorsque Rome & Joyaux créé en 2000, il a été acclamé par la critique et a remporté trois Bessies, et en 2008, Harris a remporté le William Shakespeare Award for Classical Theatre. Cette année, pour célébrer son 30e anniversaire, RHPM remontera la production avec de nombreux membres de la distribution originale. Les premières à Philadelphie ce mois-ci avant une tournée à Boston, au Joyce Theatre de New York et à Providence.

Pour Harris, la danse était « culturelle, nous ne le considérons donc pas comme quelque chose d’extrascolaire ou hors norme », dit-il. Ayant grandi dans une communauté afro-américaine du nord de Philadelphie, il a d’abord appris un style unique à la ville appelé GQ, suivi de popping, de verrouillage et de rupture. Il a exécuté ces danses avec une équipe de quartier appelée les Scanner Boys, dans des lieux comme la patinoire locale et la gare.

Joan Myers Brown, fondatrice de Philadanco ! et l’Association internationale des Noirs en danse (IABD), se souvient avoir conduit ses deux filles pour assister à ces spectacles. “Lorsque ces enfants ont commencé à le faire, les gens disaient: ‘Enlevez ces enfants et leurs cartons du coin de la rue'”, dit-elle. Ensuite, “le temps a rattrapé Rennie”.

Des années plus tard, Brown a demandé à RHPM de se produire au Festival IABD de 1995 à Philadelphie, où ils ont impressionné le légendaire praticien de la danse africaine Baba Chuck Davis, qui a invité RHPM à faire une tournée nationale avec son festival, DanceAfrica. Gagnant en visibilité et en élan, RHPM fait rapidement tourner son propre répertoire à l’international. Pendant ce temps, Harris a commencé à recevoir des opportunités chorégraphiques d’autres compagnies, dont Alvin Ailey American Dance Theatre.

“Quand vous pensez à la danse de rue et au hip hop, vous parlez vraiment de notre histoire”, déclare le directeur artistique d’Ailey, Robert Battle, qui a commandé à Harris trois œuvres, dont le 60e anniversaire de la compagnie et son premier long métrage, deux- production d’actes, Lazare. “Rennie nous ramène aux origines, étant une célébration de la vie en soi, et je crois que c’est ce qu’Alvin Ailey a fait dans son travail, non pas en utilisant la danse de rue en soi, mais de cette manière qu’il a pu utiliser la danse moderne. et le rendre accessible », déclare Battle.

Un groupe de six danseurs vêtus de camaïeux de violet saute, levant les genoux et les coudes, tous tournés vers la gauche du cadre.
Théâtre de danse américain Alvin Ailey à Harris Lazare. Photo de Paul Kolnik, avec l’aimable autorisation de l’AAADT.

Cela dit, avec le hip hop de plus en plus commercialisé et ses ancêtres vieillissants, préserver ses origines est devenu urgent. “Il n’y a pas beaucoup de voix authentiques qui n’ont pas appris la culture mais qui l’ont vécue”, déclare Emilio “Buddha Stretch” Austin Jr., praticien de premier plan du hip-hop, qui dit que Harris “fait partie de la culture depuis 40 ans”. de ses 50 ans d’existence.

Pour aider Harris à codifier sa pratique du mouvement et ses connaissances culturelles, la Fondation Mellon a accordé au RHPM 1 million de dollars, à attribuer au cours des trois prochaines années. Bien qu’il ait été offert à temps pour le 30e anniversaire de l’entreprise, « il se fait attendre depuis longtemps », déclare Emil Kang, directeur du programme de la fondation pour les arts et la culture. “Non seulement il fait un travail remarquable, mais il détient aussi tellement d’histoire et de culture. Nous essayons vraiment de l’aider à construire des synergies entre le travail de ressourcement pour son entreprise et la création d’une pédagogie qui contextualise tous ces facteurs.

Éduquer les artistes, les critiques et le public sur les racines du hip hop a été une motivation majeure dans la carrière de Harris. À Philadelphie, il organise Illadelph Legends, le premier festival de danse de rue du genre. Lancé en 1997 pour fournir aux pionniers du hip-hop, dont beaucoup n’étaient plus actifs dans l’industrie, une plate-forme pour partager leurs connaissances, il s’agit désormais d’une semaine intensive annuelle qui présente à la fois des icônes de la danse de rue établies et émergentes du monde entier.

Et en tant qu’artiste en résidence à l’Université du Colorado à Boulder, titulaire de doctorats honorifiques du Bates College et du Columbia College de Chicago, Harris a contribué à façonner le hip hop dans l’enseignement supérieur. Il a récemment fondé l’Université Rennie Harris pour « jeter les bases de la culture hip-hop et aider les gens à créer un programme pour enseigner de manière responsable et respectueuse », dit-il. Le programme de certification vise à donner à la prochaine génération de danseurs les moyens de vraiment faire progresser – et pas seulement de s’approprier – la forme d’art en l’utilisant comme moyen de raconter des histoires personnelles.

“Vous le rendez plus authentique en apportant ton culture à elle », dit-il. “C’est ce que le hip hop a toujours été : votre posséder prise individuelle—votre posséder individualité, créativité et innovation.

By 5int9