Marlene Rose est une pionnière dans le domaine du verre moulé au sable, une technique de coulée de métal rare et millénaire qui a été adaptée pour être utilisée avec du verre en 1985.

L’une des rares femmes dans un domaine à prédominance masculine, Rose passe 10 heures par jour dans son studio de Clearwater, en Floride, où la température dépasse souvent 100 degrés avec 100 % d’humidité. Son médium est du verre fondu qui est chauffé à 2 000 degrés et coulé dans des moules en sable à usage unique, composés de péridot broyé et d’autres pierres semi-précieuses. Le travail est aussi éreintant que dangereux, mais les figures lumineuses qui émergent démentent le processus.

Papillons, chevaux et masques africains sont des thèmes récurrents. D’autres sources d’inspiration sont aussi disparates que les images de Bouddha et les courtepointes de Gee’s Bend, et elle n’hésite pas à fouiller les tas de ferraille pour trouver des objets et des métaux trouvés, des éléments qui ajoutent des touches décoratives à ses sculptures. Le travail de Rose a été exposé dans des galeries, des musées et des espaces publics à travers le monde, mais c’est sa reproduction du soleil pour une émission de télévision qui a changé sa vie.

Marlène Rose
Rose dans son atelier de Floride, avec en arrière-plan une sculpture inspirée des quilts de Gee’s Bend. (Photo de Felix Kunze et Jen Anderson)

Sable rose coulé le logo du soleil de la CBS dimanche matin série télévisée et l’a envoyé au producteur exécutif, qui en est tombé amoureux. “La lumière du soleil filtrait dans son bureau et la sculpture a commencé à briller”, a-t-elle déclaré. ArtsATL récemment. Il a immédiatement voulu la réserver pour le spectacle – et garder la sculpture. Son segment a été visionné plus de sept millions de fois et a catapulté Rose de l’obscurité à la renommée internationale.

Dans l’exposition de Rose Pacte de lumière à Buckhead Art & Company jusqu’au 12 novembre, les visiteurs peuvent voir et ressentir par eux-mêmes ce qui a inspiré le producteur de télévision – et d’innombrables autres.

Rose a parlé à ArtsATL récemment sur l’alchimie du verre, la joie de se séparer des choses qu’elle aime et le métier d’artiste.

ArtsATL: L’art du verre est un domaine dominé par les hommes. Pourquoi pensez-vous que les femmes se détournent de la discipline ?

Marlène Rose: Je n’étais pas intéressé à faire cette technique (au début) parce que j’étais intimidé par le caractère physique du processus. Lorsque vous avez affaire à du verre fondu à 2 000 degrés, il faut une force énorme pour manœuvrer la poche de 30 livres remplie jusqu’à 40 livres de verre liquéfié. Même faire quelque chose sur une sarbacane nécessite de soulever, réchauffer et soulever constamment des poids de 20, 30 et 40 livres.

C’est aussi un travail très dangereux qui nécessite de nombreuses mains dans une danse soigneusement chorégraphiée avec quelqu’un ouvrant la porte du four ; quelqu’un versant le verre; quelqu’un coupant l’excès de verre de la louche ; quelqu’un manipulant une torche; et quelqu’un fermant la porte du four. La moindre erreur – qu’une perle de sueur ou une manche de chemise entre en contact avec un matériau en fusion lorsqu’il est versé dans un moule – peut briser le verre dans ce qui est un processus très coûteux.

Marlène Rose
Sculpture en sable « Kimono moderne » de Rose. (Photo de David Monroe)

Trouver un studio où vous pouvez perfectionner vos compétences est également un défi. Avec le recul, je peux comprendre pourquoi les hommes que j’ai approchés à la recherche de temps de studio avaient des réserves. J’étais au début de la vingtaine, je n’avais pas l’air très fort et ils ne savaient pas si on pouvait me faire confiance avec leur équipement. À vrai dire, je n’avais suivi que quelques cours de verre à l’université et je n’avais pas beaucoup d’expérience, donc leurs soupçons étaient justifiés.

ArtsATL: Les réactions des gens à vos sculptures en verre ont tendance à être instinctives et viscérales. Comment réagissez-vous lorsque vous voyez une pièce finie pour la première fois ?

Rose: Une à deux semaines se sont écoulées depuis le moment où j’ai mis une pièce dans le four de refroidissement jusqu’à ce qu’elle soit stabilisée et prête à sortir, donc il y a beaucoup d’émotion à voir la sculpture finie pour la première fois.

Je ne sais pas comment expliquer le niveau d’excitation, d’exaltation et de bonheur qui m’envahit lorsqu’un morceau sort bien, mais la ruée est indubitable. Invariablement, les pièces qui me coupent le souffle sont celles qui se vendent en premier, peu importe la galerie, l’exposition ou la foire d’art.

ArtsATL: Est-ce difficile pour vous de lâcher les morceaux qui vous coupent le souffle ?

Rose: Quand les enjeux étaient plus élevés, le temps de studio était limité et je ne pouvais pas me permettre d’être prolifique, c’était comme une vraie perte parce que j’étais tellement connecté à eux. Une partie de mon cœur irait avec les pièces spéciales.

Au fil du temps, j’ai trouvé que le travail se connecte avec un certain type de personne. Ils sont émouvants, très conscients, légers, à l’écoute des choses qui comptent vraiment et attirés par les images édifiantes. Ils veulent quelque chose dans leur maison qui les fasse se sentir bien ou heureux d’être dans l’espace au lieu de faire une déclaration difficile à traiter.

Maintenant, quand je me sépare de mes sculptures, j’ai l’impression de faire un tour complet pour offrir un cadeau à quelqu’un qui l’apprécie vraiment, ce qui facilite beaucoup le lâcher-prise.

ArtsATL: Que vous ont révélé vos collectionneurs sur vous-même, votre but, votre voix d’artiste ?

Rose: Pour chaque fois qu’une porte a été fermée, ou qu’une galerie a dit “non”, ou que je n’ai eu aucune vente – juste au coin de la rue, il y avait des collectionneurs qui ont dit “oui” ou un musée qui était ravi d’exposer mon travail. Chaque « oui » m’encourageait à continuer, me rappelait de ne pas me décourager et renforçait ma passion. Quand je reçois des lettres de collectionneurs me disant quelle joie ils ressentent en voyant mes pièces dans leurs espaces personnels, je sais qu’il n’y a pas de meilleur but dans la vie.

Marlène Rose
Ancienne sculpture de cheval Caledon de Rose, montrant la finition texturée. (Photo de David Monroe)

ArtsATL: Le verre n’inspire généralement pas le désir de toucher, mais votre travail est si tactile qu’il supplie pratiquement les spectateurs de tendre la main. Quelle est votre politique ?

Rose: Nous avons été tellement programmés pour ne pas toucher aux œuvres d’art. J’ai l’habitude de dire aux gens lors de spectacles : “Vous pouvez toucher ces pièces si vous le souhaitez.” C’est vraiment intéressant de voir la réaction des gens lorsqu’on les invite à passer outre leur formation.

Les enfants sont un peu plus incontrôlables avec leur corps et je ne veux jamais contredire les instructions d’un parent, mais j’apporte généralement un morceau à un enfant ou à un bébé. Ils sont si heureux de toucher parce que la surface est tellement texturée et différente.

ArtsATL: Pourquoi la lumière est-elle une composante si essentielle de votre travail ?

Rose: La lumière ajoute une dimension à la sculpture en verre qui change en fonction de l’heure de la journée, de la couverture nuageuse, du soleil éclatant, du soleil indirect, ce qui en fait une œuvre d’art dynamique et en constante évolution. C’est le matériau parfait non seulement pour la façon dont il joue avec la lumière, mais pour la façon dont il se souvient du moule dans lequel il a été versé, a la texture du moule de sable sur le devant et ressemble à une pièce d’antiquité qui a été déterrée.

ArtsATL: Quel conseil donneriez-vous aux talents émergents lorsqu’il s’agit d’être un artiste ?

Rose: Je n’ai pas étudié le commerce à l’université, mais j’ai suivi mon instinct de travailler dans une galerie et de comprendre ce que les galeristes attendaient de leurs artistes.

Il n’y avait pas de chemin à suivre pour moi. . . J’ai appris par essais et erreurs. Mais j’encourage tous les artistes émergents à se considérer comme des artistes, des entrepreneurs et des propriétaires d’entreprise s’ils veulent s’épanouir.

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Gail O’Neill est une ArtsATL rédacteur en chef. Elle anime et coproduit Savoir collectif, Une conversationtoutes les séries diffusées sur le réseau THEAet modère fréquemment des conférences d’auteurs pour le Centre d’histoire d’Atlanta.



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