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Dans sa nouvelle collection de peintures, La scène du miroir — exposé à la Bill Lowe Gallery jusqu’au 7 janvier — Michael David confirme sa réputation d’expressionniste abstrait qui n’a jamais vénéré à l’autel de la peinture sûre, maniérée et décorative.

Sa technique consistant à lancer de l’encaustique pour construire une peinture – qui prend des années dans de nombreux cas – a été comparée à la méthode orientée vers l’action de Jackson Pollack consistant à travailler sur ses toiles d’en haut. Mais quand David a poussé trop loin physiquement, il a fini par payer le prix fort.

Michael David (Photo par Astrid Dick)

Le processus d’encaustique nécessite de chauffer la cire d’abeille et les vernis tout en travaillant avec une chaleur continue pour fusionner les couches d’art de la cire.

Dans de bonnes conditions, la méthode est sûre. David, cependant, travaillait dans un studio mal ventilé et a été empoisonné par des gaz toxiques qui se sont accumulés au fil du temps. Il en est resté partiellement paralysé, mais sa concentration sur l’intention, la conviction et la transformation par la création artistique est restée inébranlable.

Les œuvres de David sont incluses dans les collections publiques permanentes du Metropolitan Museum of Art, du Guggenheim Museum et du Brooklyn Museum, mais il n’est pas du genre à faire la distinction entre le soi-disant grand art et le petit art.

C’est un omnivore d’inspiration, aussi susceptible de se référer à Orson Welles ou Bruce Lee dans un tableau, que de citer David Bowie ou les Beatles. Et il n’est pas étranger à la musique. Il a été un pionnier de la première scène punk rock de New York lorsqu’il était bassiste pour les Numbers ; il décrit le punk rock comme son église.

“J’ai toujours voulu que mes peintures aient l’immédiateté, la réalité, le danger et la présence que je ressentais dans cette musique”, explique David, qui a renoncé à jouer dans un groupe pour peindre à plein temps. “Quand je suis sorti de scène. . . Je voulais quelque chose d’aussi intense, d’aussi immédiat et de transformateur que l’expérience que j’ai vécue sur scène.

Le dernier travail de David offre toute l’intensité, l’immédiateté et la transformation qu’il a recherchées au cours de ses 40 ans de carrière. De la même manière, il y a une légèreté, une irisation et une translucidité dans sa nouvelle expression qui non seulement encourage l’auto-réflexion mais met le spectateur au défi de considérer un autre plan d’existence où la transcendance est une possibilité.

David a parlé avec ArtsATL sur les rêves, le lieu qui a revigoré son imagination et son étoile polaire pour trouver sa voix en tant qu’artiste.

ArtsATL: Quelle est votre philosophie d’artiste ?

Michel David: Quand j’enseigne, je dis toujours que vous voulez trois choses dans votre vie : la liberté, le courage de poursuivre cette liberté et l’intégrité de savoir quand vous faites quelque chose pour plaire à quelqu’un d’autre [versus yourself] et de s’approprier la différence.

ArtsATL: Est-il vrai que vos tableaux miroirs ont pris forme dans un rêve ?

David: J’ai rêvé de la base, du goudron, du verre brisé – et ma vision de ce qui pourrait être était si directe et sans filtre que j’ai été immédiatement enfermé et poussé à terminer la série. Jasper Johns rêvait des drapeaux. Paul McCartney s’est réveillé avec la mélodie de “Yesterday” dans la tête. Parfois, lorsque l’opportunité d’être un canal se présente, vous devez le faire.

Galerie Bill Lowe
« Star Man (for David Bowie) » de David, miroir et huile sur bois, 2022 (Photo de Pete Mauney)

ArtsATL: Vous avez créé cette œuvre en seulement six mois. Comment l’environnement a-t-il informé et inspiré le travail ?

David: Ma compagne de peinture, Astrid Dick, et moi avons loué la maison de Judy Pfaff dans le village de Tivoli, New York. [Pfaff is considered by many critics to be the pioneer of installation art.] Nous avons travaillé dans une grange de 2 000 pieds carrés avec des plafonds de 30 pieds qui se trouvait à trois minutes à pied de sa maison. Le simple fait de pouvoir marcher jusqu’au studio était un cadeau. Et travailler aux côtés d’un artiste qui avait la passion de la peinture que j’avais quand j’avais 25 ans était le rêve d’un peintre.

Nous avons également organisé des lectures de poésie. . . où j’ai découvert que les poètes sont comme les peintres d’autrefois, si libres et ouverts, parce qu’il n’y a pas d’enjeux importants dans le métier d’écrire de la poésie.

ArtsATL: Parlez-moi de la pièce que vous avez nommée pour Astrid.

David: Le titre, Lune Rose (Pour Astrid), est basé sur la plus belle chanson d’amour jamais écrite [Nick Drake’s Pink Moon] . . . et est très spécifique à une soirée incroyable que nous avons partagée dans le nord de l’État – se réveiller à trois heures du matin, marcher sur le terrain, chercher un abri sous un arbre alors que la neige commençait à tomber et voir une lune rose.

Par coïncidence, j’avais du verre rose vintage qu’ils ne fabriquent plus assis tout l’été. J’avais peur de le casser tellement le miroir était beau. Mais quand cette nuit est arrivée, la peinture est devenue claire pour moi. Je savais ce que j’avais à faire, et briser ce verre était un acte de foi et de destin.

ArtsATL: Voyez-vous cette collection comme une métaphore des relations avec les autres ?

David: Plus que la relation à l’autre, je vous invite, spectateur, à vous regarder et à faire la paix avec qui vous êtes. . . pour ralentir, réconcilier l’image complète – y compris votre brisement – et médiatiser cette expérience sans qu’elle vous détruise. Nous sommes tous imparfaits. . . c’est ce qui nous rend humains et beaux.

Mes peintures reflètent également les temps fracturés dans lesquels nous nous trouvons aujourd’hui. Il y a une anxiété de bas niveau et une dislocation constante, qui demande une sorte de compassion pour soi-même.

En fin de compte, cette collection concerne la lumière. . . la lumière qui se reflète à travers l’auto-réflexion et l’acceptation de soi. J’espère que mon travail pourra servir de rappel que les endroits où nous avons été brisés sont aussi les endroits qui laissent entrer la lumière et permettent le type de guérison qui peut suivre l’auto-réflexion et l’acceptation de soi.

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Gail O’Neill est une ArtsATL rédacteur en chef. Elle anime et coproduit Savoir collectif Une conversationtoutes les séries diffusées sur le réseau THEAet modère fréquemment des conférences d’auteurs pour le Centre d’histoire d’Atlanta.



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