L’une des raisons pour lesquelles ces deux œuvres ont si bien plu aux étudiants était que l’homosexualité était la ligne de base, le terrain sur lequel se trouvent les intrigues, mais pas la seule intrigue. L’homosexualité est la clé des deux récits, mais les dilemmes concernent la relation et la personnalité. Comme beaucoup des premières lectures, Anse Bluefish implique une perte ; mais cette perte n’est pas liée au fait d’être lesbienne, et la fin est pleine d’espoir et chaleureuse. Île du feu ne contient aucun traumatisme réel et tout rejet est basé sur la classe et non sur l’orientation.

Les deux contiennent autant de joie étrange que de douleur étrange. Et comme le dit l’un de mes étudiants, “la joie queer est l’autonomisation queer”. L’art avec de la place pour toute notre vie peut être incroyablement nourrissant.

L’intégrité peut provenir du fait que des personnes queer touchent tous les aspects de la vie d’une production. Souvent, si seulement l’écrivain est LGBTQ, vous pouvez le dire; les pièces queer les plus rondes et les plus riches que j’ai vues ont eu plus de mains queer sur le pont, y compris des dramaturges, des concepteurs, des réalisateurs ou des producteurs queer. Lorsqu’une plus grande partie de la communauté se trouve dans la pièce où cela se produit, le rendement est susceptible d’être plus vrai.

Au-delà de ces représentations de la plénitude de vie pour les personnages queer sur scène, nous devons voir un éventail beaucoup plus large de personnages, point final. Beaucoup de membres de la communauté queer renforcent le binaire de genre aussi fort que leurs pairs dans le monde hétéro, et cela est évident dans ce que le théâtre est produit. Oui, c’était sismique lorsque les scènes ont commencé à dépeindre des histoires d’homosexuels puis de lesbiennes, mais votre adolescent moyen de dix-huit ans sait maintenant combien d’autres identités remplissent l’arc-en-ciel. Ils veulent voir sur scène des personnages trans, non binaires et autres non conformes au genre. Ils veulent voir des personnages bisexuels et pansexuels, des personnages qui transcendent entièrement le modèle alloromantique et ceux dont les pratiques romantiques et sexuelles peuvent ne pas s’aligner sur une identité unique.

Et ils ne veulent pas que ces personnages soient tous blancs. Si vous définissez une pièce queer comme celle d’un auteur avec des personnages LGBTQ importants, les trois pièces queer les plus marquantes des trente dernières années sont peut-être celles de Tony Kushner. Les anges en Amériquede Matthieu Lopez L’héritageet de Paula Vogel Indécent; tous sont des ajouts sérieux au canon théâtral et, sur le plan personnel, m’ont profondément ému. Malgré tout, force est de constater que parmi leurs dizaines de rôles, ils proposent explicitement un seul rôle pour un acteur non blanc. (Et nous pouvons parler toute la journée sur le fonctionnement du Belize.)

Lorsqu’une plus grande partie de la communauté se trouve dans la pièce où cela se produit, le rendement est susceptible d’être plus vrai.

Élargir le contenu et présenter un plus large éventail de personnages ne sont pas les seuls moyens d’élargir notre vision. Un sujet de débat dans ma classe a été de savoir ce qui rend l’art queer. Une définition générale du queer serait que c’est ce qui subvertit, se positionne en dehors de, ou agit en opposition à la structure dominante. Je pense que cela devrait s’appliquer également à d’autres modes d’expression, en particulier à la structure et à la voix.

Les pièces qui comptent comme queer à cet égard ne dominent pas encore le paysage. Les théâtres (en particulier les théâtres régionaux) préfèrent apparemment une pièce linéaire écrite pour un ensemble d’unités et mettant en vedette deux à six personnes qui révèlent des secrets (restant souvent dans la pièce beaucoup plus longtemps qu’ils ne le feraient jamais dans la vraie vie). Tonalement, ces pièces ont tendance à répondre aux attentes standard en matière de drame et de comédie, avec une grande place pour la comédie dramatique qui se termine par un rire / un cri. Ce type de travail peut sembler plus confortable pour le public, car il vient au cinéma en sachant à quoi s’attendre, et les producteurs n’hésitent pas à vous dire que le confort se vend. Mais il y a un besoin – et une faim – pour plus de pièces qui adoptent des approches risquées et inventives de la structure et du ton.

Le dramaturge Jonathan Alexandratos, dans leur Théâtre américain essai “Qu’est-ce qu’un jeu non binaire”, a répondu à la question du titre, en partie, en identifiant “des oscillations dans le ton et le temps”. Leur essai identifie la façon dont les pièces des artistes enby (et trans) rejettent souvent la cohérence tonale au profit de la théâtralité, produisant un mélange conscient d’époques, d’émotions et d’images.

Au fil des années, des deux côtés du processus de soumission (en tant que dramaturge et arbitre), j’ai vu à quelle fréquence ces pièces rencontrent la résistance des directeurs littéraires ou des producteurs qui veulent qu’elles se conforment plus parfaitement au genre. Je ne peux pas vous dire combien de fois, j’ai entendu le personnel artistique demander : « Est-ce que c’est censé être une comédie ou un drame ? » Qu’est-ce que c’est qu’un autre binaire limitant ?

Les écrivains qui font du travail vraiment queer devraient pouvoir réclamer autant d’espace que ceux qui écrivent le genre de travail qui a longtemps été considéré comme le plus accessible aux producteurs.

Certes, il y a toujours eu des pièces qui sont queer à cet égard, mais elles n’ont généralement pas eu le même accès au public que les œuvres plus traditionnelles (et vice versa). Pour chaque production de Robert O’Hara défiant les genres Bonbons au butinil y a eu littéralement des dizaines d’autres Une maison de poupée pt. 2. Ce déséquilibre rappelle l’affirmation d’Alexandros selon laquelle les jeux non binaires révèlent comment “l’espace existe pour être réclamé par ceux qui n’en ont pas, plutôt qu’attribué par ou à ceux qui ont beaucoup”. Les écrivains qui font du travail vraiment queer devraient pouvoir réclamer autant d’espace que ceux qui écrivent le genre de travail qui a longtemps été considéré comme le plus accessible aux producteurs.

Le modèle de rareté, qui consiste à croire qu’il n’y a qu’une scène suffisante pour les œuvres les plus sûres et les plus commerciales, affame trop souvent les théâtres et le public. Cela fait de la place pour certains types de travail queer – les pièces les plus sages, si vous voulez – sans trop bouger le cadran. Je dis cela en tant que dramaturge qui a expérimenté les deux côtés de cette équation. Mes pièces les plus faciles à caser ont reçu plusieurs productions, et mes trucs les plus étranges sont souvent confinés au circuit de lecture.

Beaucoup d’artistes qui font du théâtre vraiment queer aujourd’hui s’emparent de leur propre espace, s’auto-produisent ou se regroupent pour élever le travail de l’autre. Lorsque le dramaturge M Sloth Levine produit des œuvres, il collabore avec d’autres artistes queer sur scène et hors scène, perturbant l’ensemble du processus et de la production – ce que de nombreux théâtres institutionnels ne pensent jamais à faire même lorsqu’ils présentent des œuvres d’écrivains LGBTQ ou sur la vie LGBTQ. Levine est le genre de dramaturge dont les pièces incluent des descriptions comme celle-ci : “Une épopée terrible à un sou dans la tradition ridicule explorant la honte queer, la dysphorie de genre, la maladie mentale, le cannibalisme, la solitude, la religion populaire, le sexe oral, la montée du cinéma sur le vaudeville, les loups-garous , biologie, masculinité, féminité, épuisement, gâteau de confettis, échec chiastique, alphabétisation, mémoire et mort. Cela ne fait peut-être pas d’eux de l’herbe à chat pour Broadway, mais cela ouvre la voie à un monde dans lequel les tarifs de Broadway comptent moins et l’art queer compte plus.

Si je pouvais agiter une baguette magique (naturellement, ce serait une baguette tordue), le théâtre queer deviendrait si profondément ancré dans la programmation théâtrale que tous les publics en viendraient à s’y attendre – non, à l’aimer tellement qu’ils l’exigent. Je rêve d’un avenir dans lequel chaque saison théâtrale est queer, mettant en vedette un éventail de personnages ronds, couvrant le large éventail d’orientations et d’identités de genre, leurs histoires racontées dans des modes non entravés par les attentes passées en matière de genre, de ton et de structure.

Pour l’instant, un nouveau travail qui correspond à cette même description est écrit par une récolte passionnante de jeunes artistes comme Micah Rose, Azure D. Osborne-Lee, Alicia Margarita Olivo et Connor Wentworth. Il est temps que les producteurs s’assurent que nous les voyons.



By 5int9