Des parents bien intentionnés aiment me demander pendant les vacances : “Maintenant que tu es sorti de l’université, quand seras-tu dans un autre spectacle ?” Je suis devenu assez bon pour sourire et vomir des réponses légères et nonchalantes comme : “Je ne suis pas encore sûr” ou “Je vois juste où ça va”, malgré le fait que j’y ai beaucoup réfléchi . Parfois, je me demande ce qui se passerait si je devais être honnête en répondant à la question redoutée ; si à la place je disais : « En fait, la dernière fois que j’ai pensé à passer une audition, j’ai eu une crise de panique », pendant que mon père découpait la dinde dans la cuisine. Ou si je plaisantais, “J’ai pleuré dans la salle de bain la dernière fois que mes amis ont essayé de me faire chanter au karaoké”, tout en dégustant du brie cuit au four à la table de l’apéritif. Qui sait, peut-être que cette année je me lèverai juste après la prière et annoncerai : « J’ai peur de jouer maintenant, et je ne pense pas que je me trompe !

Mon expérience théâtrale universitaire correspondait à ce à quoi je m’attendais jusqu’au premier semestre de ma deuxième année, lorsque les cours, les projets gérés par les étudiants, les répétitions, les cours de chant, les auditions, les heures de production obligatoires et le travail sur lequel je travaillais le week-end ont commencé à s’accumuler. pour moi. J’ai senti l’environnement passer d’un environnement amical à un courant sous-jacent mal à l’aise de compétitivité constante. Il semblait que la comparaison nerveuse des talents devenait de plus en plus courante parmi les étudiants, y compris moi-même. Le programme auquel je faisais partie a mis en place une série de jurys de fin de semestre incroyablement intenses. Les étudiants qui n’ont pas réussi ces jurys n’ont pas été autorisés à continuer dans les filières axées sur la performance. Au fur et à mesure que la taille de ma classe se raréfiait après chaque semestre, j’en ressentais le poids. J’ai commencé à ressentir une anxiété persistante et extrême qui a commencé à accompagner toutes mes performances en classe.

J’ai canalisé toute mon énergie nerveuse dans mon travail de toutes les pires manières possibles. J’ai passé des nuits blanches, pratiquant de manière compulsive non pas par véritable passion mais par peur. Chaque fois que je ne me concentrais pas sur l’école, j’avais l’impression de perdre du temps. Je me sentais obligé d’être parfait parce que je pensais que c’était le seul moyen de garder une longueur d’avance sur le jugement potentiel que je redoutais beaucoup.

J’ai appliqué cette même logique erronée à mon apparence. À ce moment-là, les commentaires sur les corps semblaient circuler plus fréquemment, et j’avais peur qu’un jour ils soient dirigés spécifiquement contre moi. J’ai commencé à me sentir incroyablement gênée par les formes peu flatteuses que mon corps faisait alors que je me tordais devant les miroirs du studio de danse pendant des heures chaque jour. J’ai choisi des parties de mon corps que je considérais comme potentiellement problématiques pour les autres et je me suis concentré sur leur réduction. Je suis finalement tombé sur une pente glissante dans un véritable trouble de l’alimentation.

Cette pression a culminé dans une leçon de chant où je me suis arrêté et je me suis effondré en pleurant seulement quelques mesures dans ma chanson. Chaque note que je chantais me semblait si douloureusement fausse, même si c’était une chanson que je connaissais bien et que j’étudiais depuis des années. Je suis resté là et j’ai pleuré pendant le reste de cette leçon, incapable de faire sortir une seule note de ma bouche.

Je sentais qu’il était clair à ce stade que je luttais, mais j’ai trouvé que j’avais du mal à trouver du soutien. Ce n’était certainement pas faute d’avoir essayé. À l’époque, il y avait très peu de disponibilité pour les rendez-vous thérapeutiques au centre de santé. J’ai passé des semaines à essayer de prendre rendez-vous avec d’innombrables thérapeutes en dehors de l’école, mais j’ai finalement trouvé qu’il était presque impossible de trouver une heure hebdomadaire pour y aller en raison des exigences de mon emploi du temps chargé. Je me suis retrouvé dans une position où j’ai décidé que je devais choisir entre poursuivre le programme et ma santé mentale. Le cœur lourd, j’ai donné la priorité à ma santé mentale et je suis passé à un accent non performant. Après, je suis tombé dans une profonde dépression. Mes sentiments d’échec perçu jettent une ombre massive sur ce qui était autrefois ma plus grande passion et, si je suis honnête, je ressens toujours cela à ce jour.

Au lieu de simuler les difficultés de l’industrie et de regarder les étudiants couler ou nager, ne serait-il pas plus efficace de passer ces années à enseigner des façons inclusives, saines et mises à jour de flotter ?

J’ai trouvé cela extrêmement difficile à discuter avec les autres. Je sentais que le problème venait de moi et que je n’étais tout simplement pas assez talentueux ou fort pour apprendre à faire ce que j’aimais. Je croyais fermement que ces lacunes spécifiques ne seraient confirmées et mises en évidence que si j’évoquais le sujet. J’ai arrêté de jouer parce que je pensais que c’était ce que les gens comme moi étaient censés faire. Je n’avais pas réalisé que le simple fait de vouloir faire du théâtre devrait être une raison suffisante pour en faire. Je suis content de le savoir maintenant, mais cela aurait été utile de le savoir à l’époque. Au lieu de cela, je pense qu’il y a plusieurs changements attendus depuis longtemps que les éducateurs en théâtre devraient envisager.

Premièrement, j’aimerais que les programmes prennent plus au sérieux la santé mentale de leurs élèves. Des services tels que le counseling devraient être accessibles sur le campus et activement encouragés par le corps professoral. J’aimerais que les professeurs adoptent une position plus active en parlant de santé mentale à leurs étudiants directement en classe. Il existe de nombreux problèmes de santé mentale qui accompagnent cette profession et qui commencent par des habitudes, telles que la jalousie, l’auto-comparaison, le perfectionnisme, etc. Je crois qu’une éducation théâtrale bien équilibrée devrait impliquer de reconnaître à quel point ces luttes sont courantes au sein du théâtre, ainsi que de réfléchir ensemble à la manière de les gérer. De cette façon, lorsqu’ils arrivent, les élèves sont prêts à reconnaître ces habitudes toxiques pour ce qu’elles sont et savent comment s’aider avant que les choses n’empirent. Ces pratiques doivent commencer au tout début du processus et rester cohérentes tout au long.

J’aimerais aussi que les programmes de théâtre abordent la critique de manière plus individualisée. Certains étudiants peuvent apprécier les critiques sévères, mais cela peut retarder la croissance d’autres étudiants. Une pratique dont j’ai entendu parler impliquait qu’un professeur demande à ses étudiants de remplir un sondage le premier jour de cours sur la façon dont ils préfèrent recevoir les critiques personnellement. Je pense qu’utiliser une telle méthode pourrait être très efficace pour s’assurer que la critique reste constructive et que les limites individuelles de l’élève sont respectées.

Le prochain changement que j’aimerais voir est celui vers une image corporelle plus saine. Les régimes, les habitudes alimentaires et la perte de poids ne devraient jamais faire partie de l’éducation théâtrale. Si les programmes sont vraiment dédiés au bien-être de leurs élèves, ils devraient alors réorienter ces leçons vers la façon d’être gentil avec son corps. Par exemple, je faisais partie d’un merveilleux cours de danse où une journée par semaine était consacrée à des pratiques de récupération comme le roulement de mousse et les étirements. Si l’on parle de nourriture d’une manière ou d’une autre, il faut se concentrer uniquement sur les moyens généraux de nourrir et d’alimenter son corps et non sur le contenu calorique. L’alimentation doit être encouragée et les pauses accordées entre les cours et les autres activités doivent être suffisamment longues pour que les élèves puissent se nourrir adéquatement.

Un peu à côté de cela, j’aimerais aussi voir les programmes s’éloigner de l’enseignement et de la pratique du typage. Une grande partie du typage est enracinée dans des stéréotypes fatphobes, racistes, sexistes, capacitistes et homophobes. Les élèves doivent être encouragés à choisir du matériel en fonction de leurs capacités et de ce qui les interpelle personnellement, et non en fonction de leur apparence. Les spectacles sur la scène principale du campus doivent également être distribués selon cette philosophie. Cependant, il est important de noter qu’il existe des cas où le transtypage est toujours pertinent. Par exemple, une actrice blanche mince ne devrait pas jouer le rôle d’Effie dans Filles de rêve, car l’histoire concerne spécifiquement une femme noire de grande taille. Il est important de reconnaître ces cas et de choisir en conséquence lorsqu’ils se produisent, afin de ne pas exclure davantage les groupes qui ont été historiquement sous-représentés au théâtre. Je pense que ce serait formidable pour les éducateurs d’initier une discussion ouverte avec les élèves sur la frontière entre l’expression de soi ouverte et la suppression des opportunités des communautés marginalisées.

Enfin, j’aimerais que les programmes soient organisés de manière plus respectueuse des inégalités financières entre les étudiants. Les étudiants prometteurs de tous les horizons méritent d’étudier les arts, pas seulement ceux qui viennent de la richesse. L’un des principaux moyens par lesquels les programmes peuvent (et le font) aider à cela est d’offrir des bourses d’études. Une autre chose qui pourrait être utile est d’avoir des postes rémunérés pour les étudiants sur le campus, comme travailler au box-office ou inaugurer. Les cours et autres activités doivent être programmés de manière à permettre aux élèves de travailler pendant leurs études. La tenue d’ateliers sur la littératie financière changerait la donne en donnant aux étudiants des instructions pour les préparer correctement à naviguer dans l’expérience coûteuse de subvenir à leurs besoins en tant qu’interprète. Les étudiants pourraient recevoir des conseils sur les emplois de jour compatibles et adjacents à leur carrière, et les professeurs pourraient discuter avec eux des syndicats ainsi que d’autres stratégies importantes qui protègent les artistes et leur permettent d’être correctement rémunérés pour leur temps.



By 5int9