Théâtre Psychonaut dans Amenez maman au théâtre Lion et Licorne

Il y a une raison pour laquelle nous aimons tant le Lion and Unicorn Theatre, et pourquoi c’est le lieu qui revient peut-être assez régulièrement dans nos interviews. Ce n’est certainement pas à cause de leurs sièges confortables ! Non, c’est parce qu’ils offrent un lieu aux artistes émergents pour perfectionner leurs compétences et leurs spectacles.

C’est pourquoi, lorsque nous avons entendu parler de Théâtre du psychonaute et leur spectacle Chrysanthèmes qui jouera sur place en décembre, nous n’avons pas hésité à trouver du temps pour discuter du spectacle et de leur compagnie.

Nous nous sommes donc assis (sur des chaises confortables) avec le fondateur de l’entreprise et le directeur artistique Arielle Zilkhaet Mums directeurs, Lavinia Grippa et Karola Koseckapour en savoir plus sur la pièce et pourquoi des lieux comme celui-ci sont si vitaux pour les jeunes artistes émergents.

Commençons tout de suite avec les mamans et de quoi s’agit-il alors?

KK : Mums est une méditation collective sur le processus de deuil. Pendant la représentation, nous essayons de créer un espace sûr pour le public et les interprètes pour puiser dans leurs paysages internes de connotations avec cet état, à travers l’histoire d’une famille qui a subi une tragédie qui les a poussés dans un cycle permanent de deuil.

Une impulsion qui m’avait amené à commencer à réfléchir sur le sujet était une ligne que j’ai trouvée dans l’un de mes vieux journaux. Il disait : « Je suis en deuil après le bien-être de mon frère », mais le point clé ici est que mon frère n’a jamais été en parfaite santé, il a toujours souffert. Comment puis-je pleurer quelque chose qui n’a jamais été réel ? Quelque chose qui n’était jamais arrivé ? Nous essayons de déballer ces questions mais notre performance n’est pas du tout une réponse donnée au public. C’est plutôt une invitation à parcourir ces questions individuellement mais en lien avec d’autres.

Mums est inspiré d’une pièce de Jean-Luc Lagarce de 1994 – un nom qui n’est probablement pas connu de beaucoup d’entre nous, qu’est-ce qui vous a amené à cette pièce ?

KK : Au début de notre processus de création, j’ai proposé quelques sujets généraux aux autres interprètes pour voir lequel résonne avec nous tous. Je voulais observer s’il y avait un sujet qui pouvait être jeté dans la pièce et réveiller l’imagination, les souvenirs, les rêves des gens. J’ai commencé la discussion en leur donnant quatre termes généraux : nostalgie, deuil, sexe, exclusion. Nous avons commencé à déballer ces mots et chaque membre de notre groupe a eu la possibilité de partager. Après un court laps de temps, il est devenu clair que nous étions tous fortement intéressés à explorer un état de deuil. J’ai commencé à collectionner toutes les choses qui peuvent amener une personne au deuil. Je crois que vous pouvez atteindre cet état non seulement après avoir traversé la mort de quelqu’un mais aussi après une rupture, une perte de stabilité mentale, après un travail que vous n’avez plus, la jeunesse, l’amitié et bien d’autres.

J’ai commencé à chercher des textes qui sont très enracinés dans ce sentiment étrange et fantomatique de vivre avec le chagrin, mais j’ai gardé à l’esprit de rechercher une pièce qui contiendrait toujours des éléments de narration non romanesque. Et c’est là que j’ai pensé pour la première fois à Jean-Luc Lagarce – metteur en scène, acteur et metteur en scène français de la seconde moitié du XXe siècle.

Arielle Zilkha dans Mamans (Photo Christina Sarkisian)Et vous dites inspiré par plutôt que basé sur, combien coûte le texte original et combien coûte votre original pour cette pièce ?

KK : Oui, je ne dis jamais que nous basons notre performance sur la pièce de Lagarce. Ce que je crois que nous avons fait, c’est que nous avons pris son texte comme base sur laquelle construire. Après avoir traduit le scénario français et en avoir coupé quelques morceaux, nous avons fini par utiliser moins d’un quart du drame original. De plus, nous avons ajouté beaucoup de contenu multiforme que nous avons créé au cours du processus d’atelier. Notre pièce est immergée dans la musique écrite par Arielle, qu’elle a basée sur une chanson folklorique polonaise que j’ai chantée lors d’une de nos premières sessions, lors d’un exercice de création d’un paysage sonore pour des situations qui se sont produites dans nos vies et qui sont en quelque sorte liées au deuil. Plus tard, j’ai également ajouté la parabole du fils prodigue qui est devenue la fin de notre histoire – une confession de la mère à ses enfants, sa manière subtile mais insupportablement honnête de dire à ses enfants ce que vit une mère lorsqu’elle perd un fils. Il y a aussi un monologue que le personnage d’Eva donne – il a été écrit par elle et il est issu de son propre processus de construction d’une relation avec le personnage qu’elle joue.

Le dénominateur commun est le chagrin et la façon dont nous le gérons, avez-vous ou les interprètes ont-ils apporté des expériences personnelles à la performance afin de la rendre plus personnelle ?

LG : Le sujet du deuil a été décidé comme base de notre pièce dès le début de notre processus, principalement parce que nous avons tous vécu le deuil d’une manière ou d’une autre. Il était très clair dès le début que nous ne voulions pas limiter le concept de deuil à la mort : nous voulions le voir davantage comme la perte de quelque chose ou le désir qui ne sera jamais satisfait, quelque chose qui est fortement exploré dans Mums.

Notre processus pour la pièce a commencé par explorer davantage ce concept, à travers des ateliers et des exercices, en trouvant ce que le chagrin signifiait pour chaque interprète et quel était leur plus grand objet de chagrin. En tant qu’entreprise, lorsque nous concevons un travail, nous commençons notre processus de « l’extérieur », en explorant les thèmes au sens large en nous plongeant dans nos expériences personnelles, puis en nous déplaçant « à l’intérieur » – en trouvant un cadre auquel appliquer nos découvertes. Le texte de Jean-Luc Lagarce convenait parfaitement à notre travail : un sujet commun du deuil et pourtant cinq approches très claires, personnelles et différentes de celui-ci.

C’est la première production de Psychonaut Theatre, est-ce un signe de ce que vous comptez faire avec les œuvres futures ? Verrons-nous plus d’œuvres d’inspiration européenne ?

AZ : Absolument ! Parce que nous sommes un groupe tellement international, il est vraiment important pour nous que notre travail représente authentiquement la diversité de notre ensemble. Et à travers cela, nous aimons découvrir des textes internationaux moins connus que nous pouvons traduire et adapter comme tremplin pour notre propre matériel. Le texte n’a jamais été le moteur de notre travail en tant que groupe ou en tant qu’individus, mais cela ne veut pas dire qu’il n’a pas sous-tendu notre processus de conception, comme dans Mums. Notre travail a tendance à être moins axé sur la narration, et peut-être moins à ce à quoi le public du théâtre britannique est habitué. Une partie de notre mission en tant que compagnie est de présenter à ces publics un style de théâtre plus expérimental et de les mettre au défi de prendre des risques avec le théâtre qu’ils choisissent de regarder, comme nous prenons des risques avec le théâtre que nous faisons.

De plus, parce que nous fonctionnons comme un collectif d’artistes, le style de notre travail de groupe changera d’un projet à l’autre, représentatif de la pratique du membre dirigeant : une pièce dirigée par moi aurait un objectif et un style différents d’une pièce dirigée par Karola. Mais, nous faisons tous partie de Psychonaut, et donc nous sommes guidés par les mêmes principes fondamentaux.

Juraj Benko dans Mamans (Photo Sanne Hofker)

Quel a été le processus de réflexion derrière ce nom d’entreprise, il se démarque certainement !

AZ : Merci ! Eh bien, un psychonaute est quelqu’un qui utilise des substances hallucinogènes pour explorer son subconscient. Et c’est essentiellement l’expérience que nous voulons donner au public qui vient à nos spectacles. En tant que créateurs de performances au 21e siècle, nous accordons beaucoup d’importance au théâtre en tant que forme d’art vivant et à la façon dont cette vivacité peut créer des événements nouveaux et peut-être inattendus pour le public. Notre objectif pour les mamans est qu’il emmène le public dans un lieu de méditation autour du deuil, où il peut s’immerger totalement dans les pensées, les sentiments et les expériences qui l’accompagnent.

Comment vous êtes-vous impliqué dans The Lion and Unicorn Theatre ?

AZ : Mums est une pièce que nous avons développée pendant notre dernier trimestre à l’université, en préparation de notre vitrine pour les diplômés. Nous avions construit l’entreprise pendant notre séjour dans le cours afin que tout soit prêt pour que nous nous lancions dans l’industrie une fois diplômés. Les mamans ont reçu des commentaires très positifs de tous les groupes d’âge, alors je n’ai pas hésité à franchir le pas et à le diffuser ! Le Lion and Unicorn Theatre s’est vraiment démarqué pour moi en tant que lieu pour les artistes et compagnies émergents, où le travail n’a pas à cocher une case spécifique, mais où les artistes sont libres de prendre des risques et d’expérimenter comme ils le souhaitent. Je suis vraiment reconnaissant qu’ils aient vu quelque chose dans notre entreprise et nous aient invités à faire partie de leur programme organisé !

Avec la pièce intitulée Mums, nous devons demander si vous invitez vos mamans à la voir en décembre?

LG : Avec nos mères de pays différents, ce sera difficile, mais nous allons certainement le filmer pour elles ! Cependant, il y a plusieurs raisons différentes pour lesquelles nous avons choisi ce titre. Le premier est dû au nom plus commun de la fleur de chrysanthème qui est généralement mise sur les tombes d’êtres chers.

Le deuil et le fardeau de la douleur nous éloignent parfois de toutes les caractéristiques qui représentent habituellement la maternité, comme se soucier des autres, se mettre au second plan et faire passer les autres en priorité. Lorsque le deuil survient, en particulier le deuil de son enfant, tout cela peut échouer. Pour notre mère dans la pièce, c’est exactement ce qui s’est passé : pour nourrir sa douleur et son chagrin, elle a cessé de nourrir ses enfants, ce qui les a amenés à essayer de se nourrir eux-mêmes. Nous avons commencé à les voir toutes comme des figures maternelles possibles, en particulier mon personnage, l’Aînée, qui prend le devoir de faire ce que sa mère, détruite par son propre chagrin, n’est plus capable de faire.

Qu’avez-vous prévu pour 2023 après cela alors?

AZ : Notre objectif principal pour 2023 est de nous concentrer sur la possibilité d’amener les mamans à un plus grand nombre de publics et d’établir davantage de relations avec les lieux, peut-être aussi en explorant des espaces non théâtraux où cela peut être joué. Nous serions ravis d’assurer une course plus longue à Londres et peut-être même de la sortir de la capitale. En plus de cela, je produis également la première britannique d’une pièce d’un membre du collectif Juraj Benkoréalisé en collaboration avec Nordisk Teater Laboratorium-Odin Teatret au Danemark. Et je vais commencer à penser à notre prochain projet sur lequel nous commencerons probablement à travailler en 2024. Donc, beaucoup à attendre.

Merci à l’équipe du Psychonaut Theatre d’avoir discuté avec nous. Les mamans joueront au Lion and Unicorn Theatre du 6 au 10 décembre 2022. Plus d’informations et réservations ici.

(Crédits photo : Christina Sarkisian, Sanna Hofker et Alex Forey)



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