Il existe de nombreuses versions d’Othello sur scène, alors qu’est-ce qui fait que celle-ci se démarque? D’abord parce que le casting est exceptionnel. Rosy McEwan en tant que Desdemona est particulièrement louable pour sa capacité à plaider son innocence, ses larmes impuissantes faisant comprendre qu’il s’agit d’une histoire de violence domestique. Paul Hilton dans le rôle d’Iago livre habilement des lignes qui impliquent Cassio ou Desdemona comme en parfaite innocence, et est constamment accueilli par les rires du public. Pendant ce temps, Giles Terera en tant qu’Othello maîtrise adroitement la transition discordante entre l’affection heureuse et la haine subséquente pour Desdemona. Terera et Hilton jouent bien…

Évaluation



Excellent

Deux amants sont pris pour cible par un ennemi jaloux déguisé en ami. Cette production apporte une qualité viscérale à la fois à l’amour et à la violence de cette tragédie, avec un casting exceptionnel.

Il existe de nombreuses versions d’Othello sur scène, alors qu’est-ce qui fait que celle-ci se démarque? D’abord parce que le casting est exceptionnel. Rosy Mc Ewan comme Desdémone est particulièrement louable pour sa capacité à plaider son innocence, ses larmes impuissantes lui font comprendre qu’il s’agit d’une histoire de violence domestique. Paul Hilton comme Iago livre habilement des lignes qui impliquent Cassio ou Desdemona comme en parfaite innocence, et est constamment accueilli par les rires du public. Entre-temps, Gilles Terera alors qu’Othello maîtrise adroitement la transition discordante entre l’affection heureuse et la haine subséquente pour Desdémone. Terera et Hilton jouent bien l’un contre l’autre, décrivant le processus psychologique de tromperie et de trahison. Puis, dans les premières scènes où les jeunes mariés sont obligés de défendre leurs affections, la représentation de McEwan et Terera d’un doux amour exacerbe l’amertume de la tragédie ultime.

Rory Fleck Byrne et Tanya Francks brillent également en tant que Cassio et Emilia, et les derniers cris de Franks après la mort de Desdemona sont vraiment émouvants. Les conversations entre Desdemona et Emilia donnent beaucoup de profondeur et d’âme à ces femmes finalement privées d’agence par leurs maris. Franks et Hilton capturent de manière impressionnante la complexité d’une relation abusive ; Emilia s’accroche à des pailles pour l’affection de son mari et Iago manipule son pouvoir sur elle, tous deux en pleine connaissance qu’elle est piégée dans sa position. De manière rafraîchissante, la production met en évidence avec succès le traumatisme de la violence conjugale et de la hiérarchie patriarcale, positionnant plutôt les femmes comme secondaires par rapport à la dynamique Othello-Iago.

La mise en scène est minimaliste avec la plupart des personnages vêtus de noir uni, ce qui décontextualise efficacement le contenu de toute période et permet aux thèmes du racisme et de la violence conjugale de rester prédominants et, malheureusement, pertinents à toute époque. Le costume est choisi très délibérément pour individualiser certains rôles : les mèches blondes de Desdémone s’enroulent comme une starlette hollywoodienne ; Le visage d’Emilia montre des ecchymoses, implicitement aux mains d’Iago; et Othello et Desdemona sont fabriqués à l’étranger dans des vêtements d’inspiration nord-africaine. Iago est très stylé, avec des cheveux lissés en arrière pour correspondre à son caractère visqueux.

Certains des éléments stylistiques de la production sont un peu déroutants. L’utilisation d’un son grinçant et métallique continu semble assez déconnecté de la pièce. Dans une scène où Othello doute de sa femme, l’ensemble remplit l’arrière-plan portant des boucliers anti-émeute et portant des masques avec un visage noir et des lèvres rouges, dont le message n’était pas clair. L’ensemble est fréquemment positionné pour regarder les moments privés des personnages principaux, créant un effet de type panoptique qui mine peut-être l’ironie dramatique essentielle à l’histoire : si le public sait que ce ne sont que des mensonges, pourquoi à la fin Emilia est-elle si choquée ? Est-ce le public qui se moque d’Othello ? L’intention n’est pas claire.

Néanmoins, la qualité de la production est incroyablement fluide, avec une utilisation impressionnante de la pyrotechnie et du maquillage pour créer des cicatrices de fouet sur le dos d’Othello. La violence est certainement palpable tout au long de la production, avec des sacs de boxe, des couteaux et des nœuds coulants, qui mettent l’accent sur le cadre militaire et la nature à enjeux élevés du conflit induit par Iago. Combinée à des performances aussi riches d’angoisse psychologique, cette production rend un conte vieux de plusieurs siècles vivant et captivant, frais comme une coupe nette.

Les acteurs sont accueillis par des rires constants et des applaudissements enthousiastes et la production est susceptible d’être un succès auprès du public. C’est assurément un Shakespeare très digeste, et j’ai vraiment été peiné par l’injustice de sa fin. Je me demande toujours si des éléments de l’ensemble et de la direction sonore ont servi à autre chose que de générer de l’étrangeté. L’impact global de la production est cependant fort et viscéral. Le cœur de ce spectacle est le talent de ses acteurs à plonger dans les émotions complexes de la jalousie, du ressentiment et de l’indignation, que ce casting aborde magistralement.


Écrit par : Shakespeare
Réalisé par : Clint Dyer
Scénographie par : Chloé Lambford
Conception des costumes par : Michael Vale
Conception de l’éclairage par : Jai Morjaria
Conception sonore et composition par : Pete Malkin et Benjamin Grant

Othello joue au Théâtre National jusqu’au 21 janvier. De plus amples informations et réservations peuvent être trouvées ici.



By 5int9