Actuellement à l’affiche au Breman Jewish Heritage Museum à Atlanta jusqu’au 15 janvier Choc culturel : Photographie de John Gutmann offre une occasion bienvenue d’évaluer le travail d’un maître négligé dont le statut d’étranger aux États-Unis dans les années 1930 a produit certaines des photographies les plus innovantes et les plus captivantes de l’époque.

Né à Breslau (aujourd’hui Wroclaw, Pologne) en 1905 dans une famille juive laïque, Gutmann a d’abord suivi une formation de peintre. En 1930, cherchant à approfondir sa formation, Gutmann arrive à Berlin, une ville où les derniers mouvements artistiques tels que le dadaïsme, le constructivisme, le futurisme et la naissante Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité) sont tous passés comme monnaie courante.

Musée de Brême
“Elevator Garage” de Gutmann – le photographe était fasciné par l’amour de l’Amérique pour l’automobile.

Ce climat marquera le travail de Gutmann de manière indélébile, alors même qu’il a été contraint d’abandonner une carrière professionnelle de peintre et de professeur d’art en vertu de la loi nazie de 1933 sur la restauration du service professionnel, refusant l’emploi à tous les non-aryens.

Avec sa carrière artistique professionnelle balayée par les nazis, Gutmann s’est tourné, par pure nécessité, vers la photographie. En achetant un appareil photo Rolleiflex, il a lu les instructions, a tiré trois rouleaux de photos d’essai et a obtenu un contrat assez remarquable en tant que correspondant étranger avec une agence basée en Europe. Il embarqua ensuite pour l’Amérique et arriva à San Francisco le 1er janvier 1934.

Le statut d’étranger de Gutmann dans son pays d’adoption, combiné à son immersion dans le modernisme de Weimar, a contribué à façonner ce qui allait bientôt devenir une carrière étonnamment unique en tant que photographe.

C’était aussi révolutionnaire et captivant que celui de personnalités plus connues telles que Walker Evans, Berenice Abbott, Robert Frank et Garry Winogrand, des photographes dont le travail de Gutmann est souvent parallèle et anticipé.

Organisée autour de thèmes tels que la culture automobile, la signalisation, le portrait, dans les rues et les panneaux d’avertissement, l’exposition de Breman donne une idée précise de la variété de la production de Gutmann tout en capturant son approche presque anthropologique de son sujet. (Il a lui-même organisé ses photographies sous des classifications telles que “Documents de la rue”.) Et parmi ces divers motifs, aucun n’est peut-être plus important pour Gutmann que sa fascination pour la culture automobile américaine, la section par laquelle l’exposition de Breman mène.

Arrivé aux États-Unis, Gutmann a été presque immédiatement frappé par ce qu’il a appelé la « relation énorme, presque érotique, entre l’Américain et son automobile ». Ses photographies de la culture automobile américaine – drive-in, panneaux publicitaires de concessionnaires, automobiles et scènes de rue – fonctionnent comme des études de la culture marchande. Transport automobile, Chicago (1936), par exemple, met en scène un transporteur de voitures, un phénomène que Gutmann a déclaré avoir trouvé presque absurde.

La taille des voitures américaines, inconnue en Europe, l’intrigue également. L’image humoristique, presque sexuelle au centre de la photo d’une voiture montée sur une autre trahit la fascination de Gutmann pour l’opulence américaine même en période de catastrophe économique, une tendance qui le distingue des photographes contemporains comme Evans ou Dorothea Lange. Les fils téléphoniques qui s’entrecroisent, les câbles des chariots et les panneaux annonçant “à louer”, “drogues” et “Loop Theatre” capturent la fascination de l’époque pour la vitesse, la mobilité et l’éphémère.

Ces motifs trouvent un écho dans une autre image spectaculaire de la section de l’exposition sur la signalisation, une photo intitulée Autel américain (1936), dans laquelle le slogan publicitaire répété « Switch to Dodge » signale (tout comme le titre de la photo) la fétichisation de l’automobile par la modernité et le besoin d’être à jour.

En plus de capturer la vitesse et la richesse de la société de consommation, les photos de Gutmann des années 30 et 40 augurent non seulement du mécontentement et de l’isolement que nous associons à la culture de consommation, mais également de thèmes plus sombres.

Musée de Brême
“Omen” de Gutmann (1934) était un étrange signe avant-coureur de la Seconde Guerre mondiale.

Depuis la tour nord du Golden Gate Bridge (1947) offre une vue époustouflante du haut du célèbre pont, avec des haubans coupant en diagonale le côté gauche du cadre. Les minuscules voitures qui passent dans la rue bien en dessous, éclipsées par l’architecture impressionnante et l’angle de prise de vue vertigineux et expressionniste, semblent évoquer un sentiment d’anonymat et d’isolement.

De la même manière, Action de grâces, Camp Roberts (1942) dépeint une mer fascinante de personnes, alors que l’individu cède la place à ce que le critique culturel contemporain de Gutmann, Siegfried Kracauer, appelait l’ornement de masse, un développement inquiétant pour ceux qui sont sensibles à ses implications.

L’intérêt de Gutmann pour la montée du fascisme devient explicite dans la section de l’exposition consacrée aux signes avant-coureurs, des photos qui dépeignent la guerre à venir et reflètent le propre flirt de l’Amérique avec la violence et le fascisme. Dans Présage (1934), par exemple, trois avions planent en silhouette sur un ciel gris avec un groupe de cinq personnages, également en silhouette, regardant d’en bas.

Le plus obsédant de tous, sa photo de 1935 d’un rassemblement nazi organisé par le consulat allemand à l’hôtel de ville de San Francisco montre le drapeau américain affiché à côté de la croix gammée nazie, la grandeur de l’intérieur évoquant le genre d’espaces néoclassiques conçus par Albert Speer et présentés si en bonne place dans Leni Riefenstahl Triomphe de la Volonté.

Gutmann a dit un jour : “Je veux que mes photos soient lues et explorées.” L’exposition actuelle de Breman offre une merveilleuse occasion de faire exactement cela, de s’engager avec un maître sous-estimé. Son appréciation approfondie de l’art moderne et son statut d’outsider détaché le placent parmi des praticiens plus familiers tels que Henri Cartier-Bresson, André Kertész, Berenice Abbott et Robert Frank.

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Robert Stalker est un écrivain indépendant basé à Atlanta qui couvre l’art moderne et contemporain.



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