Cassandra Trenary arrive pour son interview dans un T-shirt imprimé avec une image de Johnny Cash, qui a l’air très coché. La saison estivale de l’American Ballet Theatre au Metropolitan Opera House bat son plein; nous nous retrouvons à l’ombre d’un petit bosquet à droite de l’entrée du théâtre. Cassie, comme on l’appelle, vient de suivre les cours du matin et a encore les joues roses à cause de l’effort. Depuis quelques semaines, elle préparait ses débuts dans Roméo et Juliette, qui a eu lieu à la mi-juillet. “J’adore Johnny Cash”, dit-elle avec un sourire malicieux.

Le T-shirt et le sourire sont une transition appropriée dans la conversation qui suit. La franchise et le manque de prétention semblent faire partie de l’ADN de Trenary, en particulier à ce moment de sa vie. Si vous posez une question à Trenary, elle y répond aussi simplement et honnêtement que possible. Et elle est ouverte sur les choses qui la dérangent dans le ballet classique, sa profession de prédilection : les conventions non examinées, le fait que si peu du répertoire reflète la vie des gens d’aujourd’hui et la tradition d’obéissance silencieuse en studio. Mais c’est aussi une interlocutrice accueillante, attachante et engagée. Ses pensées viennent d’un lieu de conviction et de dévotion.

Trenary adore le ballet – “Je l’aime beaucoup”, dit-elle – elle veut juste qu’il montre un peu plus de flexibilité et d’ouverture à différentes perspectives. Elle veut que ça avance. « Je cherche désespérément à y apporter plus d’humanité », dit-elle, « et je veux voir quelque chose qui semble universel. Je pense qu’il est temps que nous commencions à parler de la façon dont nous pouvons raconter ces histoires, et de la façon dont nous pouvons raconter de nouvelles histoires, et des histoires différentes. Je veux que cette forme d’art survive.

Une danseuse vêtue d'une robe de satin pêche se tient sur une pointe un pied croisé devant l'autre bras levé et derrière elle regardant vers la droite.
Cassandre Trénaire. Photo de Quinn Wharton.

Cette dernière année était sa 11e avec ABT, où elle est devenue apprentie en avril 2011 et membre du corps avant la fin de cette année. Elle a été nommée danseuse principale en 2020 et a eu 29 ans en août de cette année. À tous points de vue, elle est à son apogée, armée des outils physiques et mentaux pour assumer à peu près n’importe quel rôle.

Mais malgré la reconnaissance, son émergence dans le répertoire classique a été progressive. Elle n’a pas encore fait ses armes sur Odette/Odile en Le lac des cygnes ou Kitri dans don Quichotte, bien qu’ABT ait interprété les deux ballets pendant sa saison estivale au Met. Au lieu de cela, elle a fait un début très important au cours de cette saison, en tant que Juliette dans Sir Kenneth MacMillan. Roméo et Juliette. C’est un rôle que Trenary dit qu’elle rêvait depuis qu’elle en a vu une vidéo pour la première fois en tant qu’étudiante. « C’était la première fois que j’étais émue par un ballet comme je me sentais émue quand je regardais un film ou une pièce de théâtre. Et j’ai pensé, Oh, ma parole, c’est ça, c’est ce que je veux faire. Raconter des histoires à travers le mouvement est au cœur de la façon dont elle se voit en tant que danseuse. “Je veux que les gens aient l’impression de regarder la vie se dérouler devant eux et que le dialogue se trouve être un ballet classique.”

Au cours de la saison automne 2021 d’ABT au David H. Koch Theatre du Lincoln Center, elle a dansé sa première Gisèle, un rôle qui l’a découragée en partie à cause de la timidité du personnage au premier acte. “Je suppose que je ne me voyais pas dedans”, a-t-elle déclaré quelques semaines avant cette représentation. Comme pour sa Juliette, elle l’a abordée en se plongeant dans le personnage et dans l’histoire et en trouvant des images et des sensations avec lesquelles elle se connectait. “C’est une actrice tellement intéressante”, déclare Alexei Ratmansky, chorégraphe en résidence d’ABT, qui l’a choisie dans une grande variété de rôles, allant d’un oiseau magique à Le coq d’orà un chaleureux esprit de la moisson en Les saisonsà la jeune princesse Aurore essoufflée dans La belle au bois dormant. Pour chacun, Trenary “a plongé dans le rôle de tout son cœur”, dit-il.

Une danseuse dans un long tutu blanc se tient sur pointes, les jambes jointes, un bras levé et l'autre plié devant elle alors qu'elle regarde vers le haut
Cassandre Trénaire. Photo de Quinn Wharton.

Cet investissement total dans le rôle qu’elle crée est l’une des choses qui rend Trenary si convaincant sur scène. Vous êtes moins conscient de chaque étape et de son exécution, et plus conscient de la façon dont une scène ou un passage vous fait ressentir, ce qu’il essaie de transmettre. Souvent, son interprétation de rôles familiers est différente de celle à laquelle vous êtes habitué, imprégnée d’aspects de son propre esprit. Trenary met de la réflexion et des efforts dans ces interprétations. En plus de travailler avec une coach par intérim, Joan Rosenfels, elle fait beaucoup de recherches extérieures.

Dans le cas de Roméo et Juliette, cette soif d’informations l’a amenée à Londres en 2019, où elle a rencontré Lynn Seymour, la ballerine sur qui MacMillan a créé le rôle de Juliette en 1965. Seymour, qui a maintenant 83 ans, l’a invitée chez elle. Ils ont discuté du ballet pendant plusieurs jours tout en regardant des vidéos et en parcourant les étapes dans un espace qu’ils ont créé dans le salon de Seymour. Seymour a partagé ce que MacMillan lui avait dit et comment elle avait vu le ballet changer au fil du temps. “L’un des plus grands points à retenir”, déclare Trenary, “était qu’il y avait plus de liberté dans le rôle que la façon dont il est dansé maintenant. Elle m’a donné la permission de jouer.

Comme avec sa Giselle, Trenary voulait que sa Juliette soit plus énergique, qu’elle se tienne davantage et qu’elle évite la beauté qui s’insinue dans certaines performances et éloigne le spectateur de l’histoire. Mais lorsqu’elle est revenue au studio de répétition, prête à appliquer ce qu’elle avait appris, elle a été repoussée par les personnes qui organisaient le ballet pour ABT. Lorsqu’une certaine interprétation s’impose, elle devient difficile à changer. “Au début, la réaction était, ‘Um, c’est une façon de le faire, mais nous le faisons de cette autre façon.’ Et je disais : ‘Puis-je demander pourquoi ?’ ”

“Il lui a fallu beaucoup de courage pour assumer ces rôles et les plier”, a déclaré Amanda McKerrow, une ancienne ballerine de l’ABT qui a récemment commencé à entraîner dans l’entreprise, après une répétition de Roméo et Juliette. D’une certaine manière, Trenary a rendu les choses plus difficiles pour elle-même en ne se contentant pas de baisser la tête et de suivre un chemin familier. « Elle doit travailler dur pour convaincre les décideurs que ses interprétations pourraient être valables », dit Ratmansky, qui admire sa ténacité. “Je pense qu’elle peut y arriver.”

En performance, une danseuse en tutu orange et vert se tient sur une jambe l'autre pointée derrière elle et un bras levé, l'autre sur le côté au niveau des hanches
Cassandra Trenary dans le rôle de la reine des dryades dans don Quichotte. Photo de Rosalie O’Connor, avec la permission de l’ABT.

Ce dynamisme, qui était clair au début de sa carrière – vous pouviez le sentir même lorsqu’elle menait simplement une longue lignée de Shades dans La Bayadère— s’est épanoui plus récemment, notamment depuis le début de la pandémie. Les premiers mois ont été difficiles. Elle est retournée chez elle en Floride et a connu un changement majeur dans ses relations personnelles. “J’ai passé tellement de temps seule”, se souvient-elle. « J’écrivais, je prenais des photos, je me mettais au défi de faire des exercices d’improvisation chorégraphique tous les jours. Et j’ai trouvé que j’étais vraiment, vraiment heureux de faire ça.

Au cours des mois qui ont suivi, elle a réalisé deux courts métrages de danse, a approfondi son intérêt pour la photographie et a interviewé sa grand-mère pendant des heures sur ses expériences en grandissant et, plus tard, en vivant dans une ferme du Colorado. “J’ai plongé dans un trou de lapin d’histoires de famille, m’informant sur les femmes de ma famille, et pourquoi elles sont comme elles sont, et pourquoi je suis comme je suis.” Lors d’une résidence en avril sponsorisée par Works & Process LaunchPAD à Chautauqua, elle a utilisé une partie de ce matériel comme base pour des explorations de mouvement qui ont conduit à environ 25 minutes de chorégraphie solo et une série d’autoportraits avec un appareil photo Nikon F (film, pas numérique).

Trenary est une collaboratrice passionnée, avec une affinité particulière pour la danse contemporaine, qu’elle décrit comme « mon endroit heureux ». En 2020, pendant les saisons numériques du Joyce Theatre, elle a travaillé avec la chorégraphe postmoderne Molissa Fenley, interprétant son solo ardu de 1988 État des ténèbres. Ici, sa danse révèle un côté rugueux, une sensibilité agressive, voire punk. C’était le Johnny Cash qui sortait. Trenary ne ressemblait pas du tout à une ballerine. Plus récemment, sous les auspices de Works & Process au Guggenheim, elle a collaboré avec Sonya Tayeh sur une pièce intitulée Dévoilement, plein de chorégraphies musclées et fluides et de partenariats. Elle y partageait un pas de deux avec une autre danseuse, Ida Saki, ce qui arrive rarement dans sa pratique quotidienne à ABT. (Dévoilement a été joué dans le cadre des Restart Stages au Lincoln Center en juin 2021.) “C’était si difficile au début pour moi de partager mon poids avec elle”, explique Trenary. “J’ai dû apprendre à utiliser tout mon corps pour faire équipe, pas seulement mes bras, comme nous le faisons dans le ballet classique.” Cet été et cet automne ont apporté des collaborations avec les chorégraphes Jenn Freeman et Twyla Tharp, notamment en se produisant dans la compagnie de Tharp au New York City Center en octobre.

Cassandra Trenary se tient les jambes croisées en tirant son pantalon sur le côté au niveau des hanches
Cassandre Trénaire. Photo de Quinn Wharton.

Plus Trenary apprend dans des projets extérieurs, plus elle rapporte à son travail avec ABT. Et plus son esprit s’ouvre à de nouvelles possibilités. Elle plaisante en disant qu’elle adorerait danser le rôle d’Espada, le toréador cape et épée dans don Quichotte. « C’est un saut de basque et le reste ressemble à de la danse jazz. Je pense que je pourrais y parvenir », dit-elle avec son sourire malicieux.

Les dernières années – l’isolement de COVID-19, sa promotion au poste de directrice et l’immersion dans de multiples projets créatifs – ont alimenté un sentiment d’urgence concernant sa profession et sa place au sein de celle-ci. Elle se rend compte qu’elle remet beaucoup de choses en question. Ces questions l’ont aidée à émerger en tant qu’artiste avec non seulement un point de vue fort, mais aussi la volonté de faire le travail nécessaire pour faire des choix artistiques intéressants et éclairés.

Ce travail a porté ses fruits lors de ses débuts dans Juliette. Sa performance était intime, vulnérable et sans fioritures. En tant que membre du public, vous avez presque oublié qu’il s’agissait de pas de ballet chorégraphiés et que vous avez plutôt été pris dans l’histoire au fur et à mesure qu’elle se déroulait. Pas de jolies poses, pas d’allongement sur le lit les pieds pointés ou cambrés au-dessus du tombeau dans la crypte des Capulet. «Nous n’essayions pas de projeter ou de dire au public de nous regarder», explique Calvin Royal III, son partenaire pour la performance et un ami proche. “C’était presque comme si nous étions dans un film.” Pour Trenary, c’est un pas dans la bonne direction.

By 5int9