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Vendredi soir au Symphony Hall, l’Orchestre symphonique d’Atlanta a proposé des poèmes symphoniques dans un format multimédia, où les visuels complétaient le récit musical. Ces interprétations de « Le chasseur maudit » de César Franck et de « La nuit transfigurée » d’Arnold Schoenberg ont été une révélation — aussi captivantes et musicalement complètes que tout ce que la directrice musicale Nathalie Stutzmann a encore offert.

Cette année, c’est le bicentenaire de Franck. Né dans l’actuelle Belgique, son héritage s’est probablement accru au cours des dernières décennies, notamment auprès des organistes d’église et dans le monde francophone, et un grand nombre de musiciens n’ont pas oublié cet anniversaire. (Le même soir, l’ASO a joué ce Franck symphonique, dans une église de l’autre côté de la ville, un organiste terminait une étude des œuvres complètes du compositeur pour orgue à tuyaux.)

“The Accursed Huntsman”, qui a été créé en 1883, est un morceau de musique de programme moment par moment. Les surtitres projetés sur le mur du fond de la scène nous donnaient des mises à jour pour chaque scène : le conte macabre commence par des plans pour une chasse du dimanche matin (facilement identifiée par les appels des cors). Mais c’est dimanche ! Tout le monde devrait être à l’église (également identifié par les cloches qui sonnent). Notre chasseur est attiré par le sacrilège, pas par la piété, et il chevauche dans la forêt. Bientôt, les démons donnent la chasse. Le chasseur devient le chassé.

Une fois que vous connaissez l’intrigue littérale, la musique rend évident ce petit drame surchauffé. Mais donner quelques indications à des moments clés est l’astuce ; l’attention du public était rivée, avec une attention totale à la musique.

Pendant ce temps, Stutzmann et son équipage ont magnifiquement livré. Les quatre cors, souvent en quatuor solo, étaient une force de pouvoir et d’horreur. D’abord arrogants et assurés alors qu’ils s’éloignaient au galop, ils ont finalement rejoint l’orchestre au complet dans une frénésie hurlante. On pouvait presque voir le cheval mousser à la bouche, les flammes vacillant tout autour. Les cordes étaient les plus chaudes, les bois tour à tour verdoyants et menaçants. L’ensemble de la pièce de 15 minutes était parfaitement lucide et étroitement contrôlé. C’est le niveau de performance que vous voulez entendre de votre directeur musical.

Neita Jones
L’orchestre a utilisé des projections du cinéaste britannique Neita Jones pour compléter la musique.

Pour clôturer le spectacle, après l’entracte, le grand écran était accroché derrière l’orchestre alors que nous regardions un film muet en noir et blanc pour accompagner “Transfigured Night”. Les projections de la cinéaste britannique Neita Jones, en atmosphères et avec une paire d’acteurs, pour la plupart en silhouette, ont amplifié l’histoire sans paroles, basée sur un poème de Richard Dehmel : alors qu’elle se promenait dans les bois par une nuit froide et vivifiante, une femme lui avoue amant qu’elle est enceinte après un rapport sexuel occasionnel avec un inconnu. L’anxiété en ré mineur de ce moment difficile est résolue avec un ré majeur plus rose alors que l’homme répond que leur amour fera sien l’enfant.

Le film de Jones comprenait le poème de Dehmel, les mots (en allemand et en anglais) projetés pour coïncider avec les changements dramatiques dans la musique. Quelques prises de vue en direct ont été tout aussi efficaces. Alors que nous regardions le violon solo David Coucheron creuser profondément dans son violon, nous avons vu la même scène, sous une forme fantomatique, sur l’écran. Tout a fonctionné, augmentant les émotions de la musique enivrante de Schoenberg, brouillant le présent avec l’éternel, la nuit avec le jour, le sentiment avec la logique. (Ma seule déception est venue vers la fin, lorsque nous avons vu inutilement les visages attrayants du couple, ce qui a vidé un peu de l’universalité du concept.)

On n’entend pas beaucoup de La musique de Schoenberg dans ces parties. Lorsque nous le faisons, cela laisse souvent une impression formidable, et la lecture de Stutzmann avait tout pour plaire. Composée pour de grandes sections de cordes – pas de vents, pas de percussions – la musique se délecte des obsessions jumelles du compositeur, avec un Brahms terreux et automnal et un Wagner chromatique flottant librement. L’ASO pousse et tire l’expressivité musicale, avec une intensité merveilleusement hallucinante. Les 30 minutes passèrent comme dans un rêve. C’est aussi ce que nous exigeons de notre directeur musical.

Il est donc curieux que le mandat d’ASO de Stutzmann connaisse un départ aussi inégal.

Son programme ouvert avec la Troisième Symphonie de Brahms qui, sous la baguette de Stutzmann vendredi soir, sonnait comme sous-répétée et interprétée au hasard comme la Neuvième Symphonie de Beethoven jeudi La semaine dernière.

Neita Jones
L’ASO a livré “Le Chasseur maudit” de Franck avec une performance maîtrisée et confiante. Les premiers moments de Brahms, cependant, ne se sont pas déroulés aussi facilement.

Les mouvements d’ouverture du Brahms ont refusé de se gélifier, même avec des contributions individuelles notables, en particulier des bois. Un jeu un peu irrégulier n’est pas un gros problème si l’interprétation est convaincante. Mais il y avait un manque d’unité sur scène, avec quelques transitions maladroites et un léger sentiment d’incertitude imminent. Peut-être que tout le monde est encore en train de s’habituer les uns aux autres, bien que dans ce répertoire de base.

Le troisième mouvement de la symphonie, aux teintes ambrées et teinté de mélancolie, est aussi émotionnellement opaque mais émouvant que tout ce que le compositeur a écrit. Ici, il manquait la gravité que nous entendons habituellement, en partie parce que cela semblait si épisodique. Ryan Little, qui occupe la première chaise de l’Orchestre philharmonique de Naples en Floride, était assis dans la chaise de cor principal en tant que remplaçant. Dans le solo de cor proéminent, Little s’est avéré un excellent joueur, son phrasé doux et fluide, un long arc mélodique legato.

La cohésion et l’énergie de l’orchestre s’unissent mieux dans le finale, par parties, bien qu’il y ait encore un manque de clarté dans la vision. Mais personne ne devrait être surpris si le jeu global des Brahms s’est amélioré lors des performances ultérieures au cours du même week-end. Cela suggère-t-il que le concert d’ouverture a été, en fait, traité comme une répétition générale ?

Étonnamment, il y avait une poignée d’applaudissements après chaque mouvement, en violation de l’étiquette (parfois insensée) de la salle de concert. Cela suggère que le spectacle ne se vendait pas aussi bien qu’espéré, de sorte que l’auditorium était « tapissé » de billets gratuits – pas nécessairement une mauvaise chose. Beaucoup de ces néophytes de la musique classique apprécieront probablement le spectacle ; quelques-uns reviendront d’eux-mêmes.

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Pierre Ruhe était le directeur exécutif fondateur et rédacteur en chef de ArtsATL. Il a été critique et journaliste culturel pour le Poste de Washingtonde Londres Financial Times et le Atlanta Journal-Constitution, et a été directeur de la planification artistique de l’Orchestre symphonique de l’Alabama. Il est directeur des publications de Musique ancienne Amérique.



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